L'importance de la création de communautés ne peut être sous-estimée dans le monde de l'art qui évolue rapidement, sous l'impulsion de la technologie et de l'explosion des tokens non fongibles (NFT) au cours des deux dernières années. Un public est un adepte des médias sociaux, mais une communauté est un groupe de personnes travaillant à un objectif commun.

Magnus Resch, économiste du marché de l'art et universitaire, a mené des recherches approfondies sur l'importance des communautés et des réseaux pour les artistes.

M. Resch est titulaire d'un doctorat en économie et a étudié à l'université de Saint-Gall, à la London School of Economics et à Harvard. Outre les cours qu'il donne à Yale, il a produit plusieurs publications sur l'économie du monde de l'art. Ses articles ont été publiés dans des revues universitaires et dans des publications importantes telles que le Wall Street Journal, le New York Times et Vanity Fair.

Resch a récemment parlé à Cointelegraph de son dernier livre, Comment créer et vendre des NFT - Un guide pour tous les artistes, qui explore l'importance de construire des communautés significatives pour les artistes, et comment créer et vendre des NFT compatibles avec leurs œuvres d'art.

Cointelegraph : M. Resch, quelle est l'importance de la création de communautés pour les artistes dans le monde de l'art actuel, qui évolue rapidement ?

Magnus Resch : La communauté dans le monde de l'art est importante pour le succès de tout artiste, mais il est encore plus important de faire partie de la bonne communauté. Dans l'une de mes études les plus récentes, j'ai examiné des milliers de communautés dans le monde de l'art afin d'évaluer leur impact sur la réussite d'un artiste. Les résultats ont été surprenants : 99,9 % des communautés d'artistes n'ont aucun effet positif sur la carrière d'un artiste.

Ces communautés - que j'appelle « réseaux insulaires » - sont constituées de musées, de galeries, d'artistes de même niveau et de fans ou de sympathisants. Ces groupes sont bien intentionnés, mais ils n'auront jamais d'impact réel sur le haut de gamme du marché. Il n'y a en revanche qu'un seul réseau qui mène au succès. Pour un artiste qui s'efforce de réussir, l'objectif doit être d'en faire partie. Je l'appelle la « Terre sainte ».

CT : Pouvez-vous nous faire part de quelques stratégies clés permettant aux artistes d'exploiter avec succès cette communauté que vous appelez la « Terre sainte » ?

MR : Mon étude montre que le monde de l'art est une affaire de personnes. Les personnes que vous connaissez comptent plus que ce que vous gagnez. En l'absence de critères objectifs définissant ce qu'est le « bon art », c'est le réseau qui décide de ce qui est bon et de ce qui ne l'est pas. C'est pourquoi le travail en réseau est si important.

Pour les artistes, cela signifie qu'il ne faut pas passer tout son temps dans l'atelier. Sortez et rencontrez les bonnes personnes, au mieux, celles qui font partie de la Terre sainte. En d'autres termes, les artistes sont livrés à eux-mêmes et doivent accepter le fait qu'ils sont des entrepreneurs à la tête d'une entreprise. L'image de marque, le marketing et l'autopromotion sont essentiels à leur succès et sont plus importants que leur art. Les artistes qui attendent d'être découverts échoueront.

CT : Quel rôle jouent les médias sociaux et les plateformes numériques pour aider les artistes à entrer en contact avec leur public et à développer un sentiment d'appartenance à la communauté ?

MR : Les médias sociaux sont l'outil de marketing le plus pertinent pour les artistes. Ils ne peuvent pas compter sur les galeries pour faire le travail, car la plupart d'entre elles font partie de réseaux insulaires et ferment au bout de quelques années. En fait, un tiers des galeries ne font jamais de bénéfices.

Il est difficile d'entrer en terre sainte, car seules quelques places par an sont disponibles. C'est pourquoi il est si important pour les artistes de construire une marque. Le moyen le plus simple d'y parvenir est de passer par les médias sociaux : 45 % des acheteurs d'art considèrent les médias sociaux comme le canal le plus important pour découvrir et trouver des artistes. Les visites dans les galeries hors ligne ne viennent qu'en deuxième position. Je suis d'avis que tout artiste désireux de se faire une place dans le monde de l'art a besoin d'Instagram.

CT : Cela a-t-il changé avec l'essor des NFT ?

MR : Pas du tout. Les projets NFT ont permis aux artistes d'apprendre ce qui est nécessaire pour réussir sans le soutien des galeries. Nous avons constaté que le pilier le plus important de tout projet NFT est la communauté. Les projets qui ont échoué ont mal interprété la communauté comme étant un « public ».

Un public, c'est ce que l'on suit sur les médias sociaux. Une communauté est un cercle fermé, un groupe soudé et actif de personnes travaillant dans le même but. Elles peuvent se rassembler sur les médias sociaux, mais cela va plus loin. Construire une communauté, c'est construire des membres fidèles qui soutiennent l'idée d'un artiste. Je crois en un avenir où les artistes donneront à leur communauté des droits de vote, leur permettront de participer à des projets et d'échanger des idées et des actifs. C'est très différent du public d'aujourd'hui qui se contente de « liker » et de suivre sans participer.

CT : Pouvez-vous nous donner quelques exemples d'institutions artistiques traditionnelles et de galeries qui ont adopté les NFT et l'impact qu'elles ont eu sur leurs activités ?

MR : Les plus grands gagnants de l'engouement pour les NFT sont les artistes numériques tels que Beeple, Justin Aversano et Jen Stark. L'art numérique n'a jamais joué un rôle majeur sur le marché de l'art, étant le support le moins populaire après la peinture, la sculpture et la photographie. Et soudain, certains de ces artistes numériques négligés par le marché ont gagné beaucoup d'argent et se sont vendus à des prix records. Toutefois, le véritable impact des NFT est encore à venir. Les NFT seront la technologie sous-jacente permettant d'authentifier toutes les œuvres d'art, et pas seulement l'art numérique. Cela changera fondamentalement la façon dont l'art est commercialisé. Sans un NFT pour prouver que l'œuvre est réelle, personne n'achètera le tableau.

CT : Quelles sont les principales implications des NFT sur le marché de l'art ?

MR : Jusqu'à présent, il n'y en a pas eu. Nous n'en sommes qu'au début de ce qui nous attend. Je prédis que les NFT auront un impact durable, qui est quadruple : Les artistes exerceront un plus grand contrôle sur leurs œuvres et toucheront des redevances sur les reventes ; les collectionneurs seront plus nombreux sur le marché car celui-ci est devenu plus transparent ; les institutions trouveront plus facile d'impliquer leurs communautés et de leur donner un droit de propriété par le biais de la participation et de l'implication dans la gouvernance. Enfin, le marché de l'art sera mieux réglementé et sa valeur augmentera. Il est clair que cela ne se fera pas du jour au lendemain, car les changements dans le monde de l'art prennent du temps. Il faudra attendre 5 à 10 ans pour que les NFT deviennent la norme en matière de transaction et d'authentification des œuvres d'art.

CT : Pouvez-vous nous parler des erreurs courantes que les artistes devraient éviter lorsqu'ils se lancent dans les NFT et de la manière dont ils peuvent se préparer à un succès à long terme ?

MR : La plupart des artistes n'entreront jamais dans l'espace NFT car les NFT ne sont pas de l'art. Et les JPEG hors de prix et approuvés par les célébrités qui sont souvent associés aux NFT disparaîtront. Je ne pense même pas que nous parlerons du terme NFT dans cinq ans, tout comme nous ne parlons plus de mp3.

Les NFT sont la technologie sous-jacente qui sera utilisée chaque fois que des œuvres d'art feront l'objet d'une transaction. À l'avenir, il n'est pas improbable que l'artiste enregistre dans la blockchain chaque tableau qui quitte son atelier. Ainsi, lorsque l'œuvre est échangée, l'artiste perçoit non seulement des droits d'auteur, mais sait également qui en est le nouveau propriétaire. Cela lui permet de travailler de manière plus indépendante et de ne pas dépendre entièrement des galeries pour promouvoir ou authentifier ses œuvres. Par conséquent, les artistes gagnent plus sur chaque œuvre qu'ils vendent.

CT : Comment les collectionneurs peuvent-ils déterminer efficacement la valeur d'une œuvre d'art sur le marché dynamique d'aujourd'hui, en particulier avec l'émergence des NFT ?

MR : La plupart des œuvres d'art ne constituent pas un bon investissement. Presque tous les artistes sont coincés dans des réseaux insulaires et ne verront pas leur valeur augmenter. Les collectionneurs qui cherchent uniquement à gagner de l'argent devraient se concentrer exclusivement sur les artistes et les galeries qui forment la population de la terre sainte. En revanche, s'ils souhaitent collectionner des œuvres d'art pour d'autres raisons (et considèrent comme une cerise sur le gâteau l'augmentation de la valeur de l'artiste), c'est l'ensemble du marché de l'art qui peut être leur terrain de chasse.

CT : La transparence des prix et la liquidité que les NFT ont favorisées ont-elles changé la donne ?

MR : Beaucoup de ceux qui ont acheté des NFT en tant qu'investissement n'ont pas été en mesure de faire des bénéfices avec. Ils sont passés à d'autres investissements. Et lorsque le battage médiatique s'est estompé, les vrais gagnants ont été ceux qui ont acheté des œuvres qu'ils aimaient et avec lesquelles ils voulaient vivre. Un autre phénomène est également visible : nous assistons actuellement à la fusion du marché de l'art traditionnel et de quelques artistes numériques qui ont connu le succès pendant la période d'engouement pour les NFT. Beeple, Dmitri Cherniak, Tyler Hobbs, Casey Reas et Artblocks, qui vendaient exclusivement sur des plateformes numériques comme OpenSea et s'adressaient à un public crypto, ont maintenant commencé à exposer leurs œuvres auprès d'acteurs traditionnels du marché de l'art, comme la Pace Gallery. Une représentation par Pace Gallery, qui fait partie de la terre sainte, les aidera à manifester leur valeur, même à la suite de l'engouement et de leurs acheteurs crypto.

CT : Si l'art n'est pas un bon investissement, pourquoi devrions-nous l'acheter ?

MR : Après avoir fait beaucoup d'analyses de données sur le marché de l'art, une stratégie de collection qui s'est avérée être la plus efficace est d'acheter ce que vous aimez, car très probablement, vous ne gagnerez jamais d'argent avec l'art que vous achetez. C'est ce que j'appelle « l'achat responsable », c'est-à-dire l'idée que l'achat d'œuvres d'art n'est pas seulement un échange de valeur monétaire, mais aussi un acte philanthropique. Plutôt que d'investir de l'argent dans un bien, j'en fais don, sachant que, selon toute probabilité, je ne pourrai pas revendre l'œuvre. Mais en l'achetant, je soutiens l'artiste pour lui permettre de continuer à créer de l'art, ce qui inspire sa communauté à poursuivre cette forme essentielle de créativité humaine. Pour moi, c'est une façon de faire le bien, et cela s'accompagne d'un objet que j'aime et d'une histoire à raconter.